Le théâtre (objet d'étude)

Le texte théâtral : un texte écrit pour être joué

Le théâtre est un genre littéraire dont la particularité est d'être un texte écrit pour être représenté sur une scène, devant un public, et non pour être seulement lu en silence. Le texte théâtral repose sur une double énonciation : d'une part, les personnages se parlent entre eux à l'intérieur de la fiction (dialogue) ; d'autre part, à travers ces échanges, l'auteur communique des informations, des indices ou des effets destinés au spectateur ou au lecteur, qui en sait souvent plus que tel ou tel personnage. Le texte se compose de deux éléments bien distincts : le dialogue (les répliques prononcées par les personnages) et les didascalies (les indications scéniques données par l'auteur : lieu, décor, gestes, déplacements, ton de voix). Les didascalies, généralement en italique ou entre parenthèses, ne sont jamais prononcées sur scène : elles s'adressent au metteur en scène, aux acteurs et au lecteur, jamais aux personnages eux-mêmes.

Méthode
Repérer la présence de didascalies grâce à leur position et à leur typographie particulière (italique, parenthèses, en début ou au sein d'une réplique).
Distinguer clairement ce qui appartient au dialogue (paroles des personnages) de ce qui appartient aux didascalies (indications de l'auteur).
Identifier la fonction précise de chaque didascalie : indication de lieu ou de décor, indication de geste ou de déplacement, indication de ton ou d'intonation.
Mettre en relation la didascalie avec la réplique qu'elle accompagne pour comprendre ce que l'auteur cherche à faire percevoir au spectateur (effet comique, dramatique, informatif).
Se rappeler que la double énonciation signifie que le spectateur, souvent, comprend une scène différemment des personnages présents sur scène.

Exemple
Voici un court extrait inventé pour illustrer la notion :
(Le salon est plongé dans la pénombre. DORANTE est assis dans un fauteuil, un mouchoir sur le front.)
DORANTE, d'une voix plaintive. — Ah ! Je me meurs, je n'en puis plus !
LISETTE, à part, avec ironie. — Le voilà bien mourant, en effet, pour crier si fort !
Question : identifiez les didascalies et expliquez l'effet produit par l'aparté de Lisette sur le spectateur.

Corrigé pas à pas
Trois didascalies apparaissent dans cet extrait. La première, « Le salon est plongé dans la pénombre. DORANTE est assis dans un fauteuil, un mouchoir sur le front. », indique le décor et la posture du personnage : elle installe une atmosphère de souffrance apparente. La deuxième, « d'une voix plaintive », précise le ton que doit adopter l'acteur : elle souligne le caractère exagéré, presque théâtral, de la plainte de Dorante, ce qui prépare un effet comique. La troisième, « à part, avec ironie », indique que Lisette prononce sa réplique sans être entendue de Dorante : c'est un aparté. Grâce à cette didascalie, le spectateur seul entend le commentaire ironique de Lisette, qui révèle qu'elle ne croit pas du tout à la souffrance de Dorante. Il se crée alors un décalage entre ce que croit Dorante (être plaint) et ce que sait le spectateur (Lisette se moque de lui) : c'est exactement le principe de la double énonciation, qui rend le spectateur complice de l'auteur contre le personnage.

Erreurs fréquentes
Confondre didascalies et dialogue : croire, par exemple, qu'une indication de ton ou de décor est prononcée par un personnage sur scène.
Lire une pièce de théâtre comme un roman, sans jamais imaginer sa mise en espace concrète (décor, gestes, voix des acteurs).
Oublier que les didascalies sont des choix de l'auteur qui orientent l'interprétation, et non de simples détails accessoires.
Ne pas repérer que le spectateur peut en savoir plus que certains personnages, ce qui est la conséquence directe de la double énonciation.

Comédie et tragédie : deux registres, quatre grands procédés dramatiques

Depuis l'Antiquité et surtout depuis le théâtre classique du XVIIe siècle, on distingue deux grands genres théâtraux. La tragédie met en scène des personnages nobles ou de haut rang confrontés à un destin funeste qu'ils ne peuvent éviter ; le registre est tragique (gravité, fatalité, mort souvent annoncée) et vise à provoquer chez le spectateur la catharsis, c'est-à-dire une purgation des passions par la pitié et la terreur ressenties pendant la représentation. La comédie met en scène des personnages plus ordinaires, souvent bourgeois ou issus du peuple, confrontés à des situations qui prêtent à rire ; le registre est comique et le dénouement est le plus souvent heureux. Selon la formule attribuée au théâtre classique, la comédie « corrige les mœurs par le rire » (castigat ridendo mores) : elle peut donc, sous une apparence légère, critiquer des travers sérieux de la société. Pour construire l'action, les auteurs de théâtre utilisent des procédés dramatiques récurrents, dont quatre sont particulièrement importants à connaître : le monologue (un personnage seul en scène exprime tout haut ses pensées, ses doutes ou son dilemme, ce qui donne au spectateur un accès direct à son intériorité) ; l'aparté (un personnage, en présence d'autres, prononce une réplique censée n'être entendue que du spectateur, créant une connivence entre la scène et la salle) ; le quiproquo (un malentendu entre personnages, portant sur une identité, un objet ou le sens d'une parole, souvent source de comique parce que le spectateur, lui, comprend la situation réelle) ; le coup de théâtre (un événement soudain et inattendu qui bouleverse brutalement le cours de l'action, produisant la surprise, aussi bien dans le registre comique que tragique).

Méthode
Observer la situation représentée : est-elle grave et irréversible (registre tragique) ou légère et réparable (registre comique) ?
Observer le statut social des personnages et le niveau de langue employé : soutenu et noble pour la tragédie classique, plus courant ou familier pour la comédie.
Observer le dénouement annoncé ou obtenu : la mort ou la catastrophe pour la tragédie, le mariage ou le retour à l'ordre pour la comédie.
Repérer, dans la scène étudiée, lequel des quatre procédés dramatiques (monologue, aparté, quiproquo, coup de théâtre) est utilisé, et analyser l'effet qu'il produit sur le spectateur.

Exemple
Extrait inventé pour illustrer le quiproquo :
VALÈRE, à Toinette. — J'ai apporté la lettre pour votre maîtresse, ainsi que promis.
TOINETTE. — Quelle lettre ? Je croyais que vous parliez du contrat de mariage !
VALÈRE. — Du contrat ? Mais je n'ai jamais évoqué de contrat, je parle d'un simple billet doux !
Expliquez en quoi cette scène repose sur un quiproquo et quel effet cela produit.

Corrigé pas à pas
La scène repose sur un quiproquo : Toinette croit que Valère fait allusion à un contrat de mariage, alors que celui-ci ne parlait que d'une lettre d'amour anodine. Le malentendu vient d'une ambiguïté sur l'objet dont il est question (« la lettre » comprise différemment par les deux personnages). Le spectateur, qui suit l'échange depuis le début, perçoit immédiatement la confusion avant même que les personnages ne s'en aperçoivent : ce décalage entre ce que sait le spectateur et ce que croient savoir les personnages crée un effet comique, typique de la comédie, puisqu'il repose sur un enchaînement de répliques qui se répondent sans jamais vraiment se comprendre.

Erreurs fréquentes
Confondre le monologue (personnage seul en scène) et l'aparté (personnage entouré d'autres personnages, mais parole non censée être entendue d'eux).
Croire que la comédie ne traite jamais de sujets sérieux : de nombreuses comédies critiquent, en réalité, des travers sociaux ou moraux bien réels sous couvert du rire.
Confondre le mot « comique » (ce qui fait rire, un registre) et le mot « comédie » (un genre théâtral, qui peut d'ailleurs contenir des scènes graves).
Réduire le coup de théâtre à un simple rebondissement quelconque, alors qu'il doit être soudain, imprévisible et modifier significativement le cours de l'action.

De l'écrit à la scène : la représentation théâtrale

Contrairement au roman, un texte de théâtre n'est pleinement réalisé qu'au moment où il est représenté devant un public : c'est ce qu'on appelle la représentation. Le même texte peut donner lieu à des mises en scène très différentes selon les choix du metteur en scène (décor, costumes, jeu des acteurs, rythme, musique), qui propose une interprétation particulière de l'œuvre sans en changer les mots. C'est pourquoi, en étudiant une pièce, il faut toujours garder à l'esprit qu'un même dialogue peut produire des effets très différents selon la façon dont il est joué. Le spectateur occupe une place particulière : il voit et entend ce que les personnages ne perçoivent pas toujours entre eux (grâce, notamment, aux apartés), et c'est sur lui, en priorité, que la pièce cherche à produire un effet (rire, émotion, réflexion).

Méthode
Distinguer, dans le texte, ce qui relève du texte fixe de l'auteur (dialogue, didascalies) et ce qui relève des choix possibles du metteur en scène (ton exact, décor précis, costumes, déplacements non détaillés par l'auteur).
Se demander quel effet la scène doit produire sur le spectateur (rire, pitié, surprise, réflexion) plutôt que de s'arrêter seulement au sens littéral des répliques.
Imaginer concrètement la scène jouée (voix, gestes, silences) pour mieux comprendre l'intention de l'auteur.
Garder en tête qu'une même réplique peut être jouée de façons opposées (par exemple sur un ton sincère ou sur un ton ironique), ce qui change complètement le sens perçu par le public.

Exemple
Une réplique du texte est : « Comme je suis heureux de vous revoir ! » Expliquez comment le choix de mise en scène peut totalement modifier le sens perçu par le spectateur.

Corrigé pas à pas
Si l'acteur prononce cette réplique avec un sourire sincère, une voix chaleureuse et en tendant les bras vers son interlocuteur, le spectateur comprendra une joie authentique. Mais si l'acteur prononce exactement les mêmes mots avec un ton sec, un regard fuyant et un geste de recul, le spectateur comprendra au contraire une ironie amère, voire un mensonge poli. Le texte écrit est strictement identique dans les deux cas : c'est donc uniquement le jeu de l'acteur et les choix de mise en scène qui déterminent le sens réellement perçu par le public. Cela montre bien que le texte théâtral n'existe pleinement que représenté, et que sa lecture silencieuse ne suffit jamais à en épuiser le sens.

Erreurs fréquentes
Croire qu'un texte de théâtre a un sens fixe et unique, indépendant de toute mise en scène.
Oublier de prendre en compte le silence, le rythme ou l'intonation comme des éléments de sens à part entière.
Analyser une pièce uniquement comme un texte littéraire, sans jamais penser à sa dimension spectaculaire et collective (public réuni dans une salle).

Analyser une didascalie

1. Repérer sa position dans le texte et sa typographie particulière (italique, parenthèses, avant ou au sein d'une réplique).
2. Identifier son type précis : indication de décor ou de lieu, indication de geste ou de déplacement, indication de ton ou d'intonation.
3. Mettre la didascalie en relation avec la réplique qu'elle précède, interrompt ou accompagne.
4. En déduire l'effet recherché par l'auteur (informer le lecteur, guider le metteur en scène, créer un effet comique ou dramatique).

Exemple
Analysez la didascalie suivante : « HARPAGON, se jetant sur lui et le prenant au collet. — Rends-moi mon argent, coquin ! »

Corrigé pas à pas
La didascalie « se jetant sur lui et le prenant au collet » indique un geste violent et soudain du personnage. Placée juste avant la réplique, elle prépare le spectateur à entendre une réplique elle-même véhémente, prononcée sur un ton de colère. L'effet recherché est ici de rendre visible, par le geste, l'intensité de la fureur du personnage, ce qui peut aussi bien renforcer un effet dramatique (si la scène est grave) qu'un effet comique (si la colère paraît exagérée ou disproportionnée par rapport à la situation).

Distinguer les formes de prise de parole au théâtre (monologue, aparté, tirade)

1. Vérifier si le personnage est seul en scène : si oui, il s'agit d'un monologue.
2. Vérifier si plusieurs personnages sont présents mais que la réplique est signalée comme n'étant pas censée être entendue d'eux (souvent notée « à part ») : il s'agit alors d'un aparté.
3. Vérifier si un personnage parle longuement, sans être interrompu, en présence d'autres personnages qui l'écoutent réellement : il s'agit alors d'une tirade.
4. Identifier la fonction de cette prise de parole : exprimer un sentiment intime, informer le spectateur, argumenter pour convaincre un autre personnage.

Exemple
Un personnage seul en scène dit : « Que faire ? Si je pars, je perds tout ; si je reste, je me perds moi-même. » Un peu plus tard, en présence d'un autre personnage, il ajoute à voix basse, non entendu de lui : « Il ne se doute de rien. » Identifiez les deux formes de prise de parole.

Corrigé pas à pas
La première réplique, prononcée alors que le personnage est seul en scène et qu'il exprime tout haut son dilemme intérieur, est un monologue : elle donne au spectateur un accès direct à ses pensées. La seconde réplique, prononcée en présence d'un autre personnage mais signalée comme n'étant pas entendue de lui, est un aparté : elle crée une connivence entre le personnage qui parle et le seul spectateur, qui, lui, entend la remarque.

Repérer un quiproquo et analyser son effet

1. Repérer la méprise entre les personnages : porte-t-elle sur une identité, sur un objet, ou sur le sens d'une parole ?
2. Vérifier que le spectateur, à la différence des personnages, dispose de toutes les informations nécessaires pour comprendre la situation réelle.
3. Repérer le moment où le malentendu est levé, ou observer, au contraire, qu'il se poursuit et s'aggrave.
4. Analyser l'effet produit : le plus souvent comique, par le décalage entre le savoir du spectateur et celui des personnages.

Exemple
Un personnage attend « Monsieur Dupont, le notaire » ; un visiteur nommé également Dupont, mais boulanger de son état, se présente à sa porte et l'échange commence sur un malentendu de métier. Analysez ce quiproquo.

Corrigé pas à pas
La méprise porte ici sur l'identité : les deux personnages partagent le même nom de famille, mais l'un attend un notaire et reçoit en réalité un boulanger. Le spectateur, informé dès le départ de qui est réellement le visiteur, comprend immédiatement la confusion, alors que les personnages sur scène poursuivent leur dialogue sans s'en apercevoir, chacun interprétant les propos de l'autre à travers son propre malentendu. Cet écart entre le savoir du spectateur et l'ignorance des personnages produit un effet comique tant que le quiproquo n'est pas résolu.

Vocabulaire de base du texte théâtral

• Dialogue : paroles échangées par les personnages, prononcées sur scène.
• Didascalies : indications scéniques données par l'auteur (décor, gestes, ton), en italique ou entre parenthèses, jamais prononcées sur scène.
• Double énonciation : les personnages se parlent entre eux, mais l'auteur s'adresse aussi, à travers eux, au spectateur.
• Acte / scène : grandes divisions d'une pièce ; la scène change en principe à chaque entrée ou sortie d'un personnage.

Les quatre procédés dramatiques à connaître

• Monologue : un personnage seul en scène exprime tout haut ses pensées ou son dilemme.
• Aparté : un personnage, en présence d'autres, dit une réplique censée n'être entendue que du spectateur.
• Quiproquo : malentendu entre personnages sur une identité, un objet ou le sens d'une parole, souvent source de comique.
• Coup de théâtre : événement soudain et inattendu qui bouleverse brutalement le cours de l'action.

Tragédie et comédie : les grandes oppositions

• Tragédie : personnages de haut rang, destin funeste et irréversible, registre tragique, vise la catharsis (pitié et terreur).
• Comédie : personnages plus ordinaires, situations qui prêtent à rire, registre comique, dénouement souvent heureux.
• La comédie peut néanmoins critiquer des travers sérieux de la société sous une apparence légère (« castigat ridendo mores »).
• Le sens d'une réplique peut varier fortement selon la mise en scène, sans que le texte lui-même change.